"Renoir, dessinateur" e "Renoir et l'amour", al musée d'Orsay. Due mostre tra il rigore del segno e l'estasi dell'amore.

Auguste Renoir, Ballo al moulin de la Galette (o Bal du moulin de la Galette), 1876, Olio su tela,131,5 x 76,5 cm, Musée d'Orsay.

Dal 17 marzo al 5 luglio 2026, il Musée d'Orsay di Parigi ospita una doppia esposizione che offre un'indagine approfondita sulla figura di Pierre-Auguste Renoir, uno dei protagonisti indiscussi dell’impressionismo e un pittore che ha saputo intrecciare una raffinata ricerca sulla luce, il movimento e l’intimità umana. La mostra si articola in due percorsi complementari: Renoir et l'amour : La modernité heureuse (1865-1885) e Renoir dessinateur, i quali, seppur separati per contenuto, si fondono nel loro obiettivo di illuminare la complessità del processo artistico di Renoir e nel delineare la sua comprensione della modernità come un'armonia visibile, in cui la bellezza e la sensualità si radicano nella vita quotidiana e nelle relazioni umane. Questi due percorsi espositivi non si limitano a presentare semplicemente il lavoro di Renoir, ma propongono una riflessione più profonda sulla sua estetica, sulla sua innovazione e sulla sua capacità di costruire, sia attraverso la pittura che il disegno, un linguaggio capace di coniugare emotività e raffinatezza formale.

La prima sezione, Renoir et l'amour : La modernité heureuse (1865-1885), si concentra sulla pittura di Renoir, indagando la sua interpretazione dell'amore e della società come temi centrali della sua arte. Il termine "modernità felice" impiegato nel titolo non è solo un’etichetta storica o stilistica, ma una dichiarazione programmatica di una visione ottimista e serena del mondo, che contrasta decisamente con la tensione emotiva e la solitudine spesso evocata dalle altre correnti artistiche del XIX secolo. In un'epoca segnata dalla rivoluzione industriale, dai cambiamenti sociali e dalla crescente alienazione, Renoir propone una modernità che non si alimenta della rottura o della frattura, ma della sintesi armonica tra l’individuo e la collettività. Le sue opere come Le Bal du moulin de la Galette e Danse à la campagne rivelano una visione dell'amore come un fenomeno di coesione e di condivisione gioiosa, lontano da qualsiasi forma di dramma o conflitto. La scelta di rappresentare scene di vita sociale in cui la danza, il gioco e la convivialità emergono come espressioni autentiche dell’umanità, è un'innovazione rispetto alla tradizione dell'epoca, in cui il tema dell'amore era frequentemente trattato attraverso lenti tragiche o introspettive. Renoir, al contrario, esalta l'armonia delle interazioni umane, cercando di catturare la fluidità dei corpi e la vitalità delle situazioni quotidiane, in un'esplosione di colori che coinvolge la luce, il movimento e la superficie stessa della tela.

Questa "modernità felice" si esprime non solo nei soggetti trattati, ma anche nell'approccio formale adottato dall’artista. Renoir è infatti uno degli esponenti più significativi dell'impressionismo non solo per la sua capacità di catturare l’effimero, ma anche per il modo in cui ha utilizzato la pittura come un mezzo per rendere visibili l’interazione tra luce e colore, e la connessione tra la natura e il soggetto. In Le Bal du moulin de la Galette, per esempio, la folla che danza non è più un insieme indistinto di figure anonime, ma un gruppo di individui che si fondono l'uno nell’altro attraverso pennellate vibranti che dissolvono la distinzione tra corpo e ambiente. In questo senso, Renoir non si limita a ritrarre l'estetica della modernità urbana, ma la trasforma in un'esperienza sensoriale che trascende la mera osservazione visiva, invitando lo spettatore a partecipare emotivamente al processo di percezione.

Parallelamente, Renoir dessinateur offre una prospettiva complementare sulla pratica artistica di Renoir, spostando l’attenzione dal colore alla forma, dal movimento alla costruzione del corpo attraverso il disegno. Mentre la sua pittura si concentra sulla rappresentazione fluida e vibrante della realtà sociale e affettiva, il disegno assume un ruolo fondamentale nel processo creativo come strumento di analisi e di riflessione più profonda sulla figura umana. La sezione del museo che raccoglie oltre cento disegni, tra cui schizzi preparatori, studi anatomici e ritratti, svela una delle caratteristiche più affascinanti della produzione artistica di Renoir: il suo approccio rigoroso e metodico alla forma. Sebbene sia universalmente riconosciuto per la sua maestria nell'uso del colore, il disegno per Renoir non era semplicemente un mezzo tecnico, ma un’espressione di una riflessione intima sul corpo umano, sulla sua struttura e sulla sua espressività.

Il disegno a sanguina, in particolare, emerge come una delle tecniche predilette dall’artista negli anni 1880, quando Renoir approfondisce lo studio della figura femminile, non solo come oggetto estetico, ma come soggetto fisico e sensuale. In opere come Étude de nu féminin e Nu à l'ombrelle, la ricerca del corpo è per lui un processo continuo, in cui la figura non è mai statica, ma dinamica, vive nel suo movimento e nella tensione delle linee che ne tracciano i contorni. Ogni tratto di Renoir si fa portatore di una narrazione emotiva, che si esprime tanto nel contorno quanto nel vuoto circostante, suggerendo la tridimensionalità dei corpi attraverso il semplice gesto del disegno. Questo approccio, che si distacca dal disegno accademico tradizionale, arricchisce l’opera dell'artista di una carica emotiva che, pur nella sua essenza minimalista, riesce a restituire una potente sensazione di vitalità.

In questa prospettiva, il disegno diventa una chiave interpretativa per comprendere l'evoluzione della sua concezione del corpo, che si arricchisce di una nuova dimensione psicologica. Non si tratta più, infatti, di una mera rappresentazione fisiologica, ma di un’esplorazione che congiunge la carne alla luce, la figura alla sua emotività. La bellezza del corpo non è vista come una mera idealizzazione accademica, ma come una realtà vibrante e sensibile che emerge attraverso la tensione delle linee e il gioco delle ombre. La sensualità delle sue figure non si limita a una resa estetica, ma è il risultato di una sintesi tra forma e sentimento, tra geometria e passione.

Le due mostre, quindi, non solo illustrano le diverse sfaccettature della produzione artistica di Renoir, ma pongono l'accento sul suo ruolo di intellettuale della pittura, capace di intrecciare la riflessione teorica con l’esperienza sensoriale e il processo creativo. In Renoir et l'amour, l’artista ci invita a guardare il mondo con una lente ottimistica, celebrando la bellezza dei legami umani e delle relazioni sociali, mentre in Renoir dessinateur ci offre una visione più profonda della sua indagine sulla figura, trattata non come semplice oggetto di rappresentazione, ma come entità viva e pulsante, simbolo di un’umanità che si esprime attraverso la forma e il movimento. Entrambe le mostre rivelano come l'artista sia stato capace di fondere la pittura e il disegno in un’unica riflessione estetica che trascende il semplice atto artistico, e diventa, in ultima analisi, una meditazione sulla bellezza della vita e sulla sua rappresentazione attraverso il linguaggio visivo. La sua arte, nel suo complesso, si configura come un linguaggio in grado di raccontare non solo la modernità storica, ma anche la modernità emotiva, quella legata alla percezione del corpo e dell’esperienza sensoriale, come una continua ricerca di un equilibrio tra la luce e il movimento, la forma e l'anima.

Anne Marie Bernard